Nació en Milán 29 de septiembre de 1571.
Fue hijo de Fermo Merisi, administrador y arquitecto del Marqués de Caravaggio (la ciudad de la cual adquiriría el nombre referente), pero quedó huérfano a los 11 años.
Finalmente, murió en Porto Ercole (también Italia) 1610 a causa de la malaria.
 | |
| San Juan Baptista 1603 |
Se le considera el más grande representante y revolucionario de la pintura italiana del siglo XVII siendo el iniciador del barroco por su:
»naturalismo visual, rechaza los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es sin artificios;
»realismo psicológico, mediante la técnica del tenebrismo gracias a
>la iluminación selectiva y fuertes contrastes de sombras, dramatizando las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro;
»una gran carga de contenido espiritual;
»y por la larga estela de seguidores que tuvo durante muchas décadas.
Pintó en óleo sobre lienzo, preferentemente bodegones, temas mitológicos y religiosos, donde siempre toma como modelos a gentes sencillas y humildes del pueblo, por lo que consigue sustraer a sus personajes su carácter sagrado. Por ello, la obra de Caravaggio no gustó demasiado a la Iglesia del momento.
También solía retratarse en algunos de los personajes de sus cuadros, se aprecia en que todos ellos se asemejan mucho.
En sus obras podemos observar la siguiente evolución estilística:
Baco. c.1597. :
Baco o Dionisio, es el dios del vino de la mitología griega, inspirador de la locura ritual y el éxtasis.
Ofrece al espectador una copa de vino, aparentemente invitando al espectador a unirse a él. El vino se ha servido hace poco, como indican la espumilla en la jarra. Baco sostiene en la mano el cáliz con poca seguridad como muestran las vibraciones; las mejillas, como las manos, están sonrojadas y contrastan con la palidez de la piel, indicando un estado de ligera ebriedad.
Apreciamos el fondo claro, y el naturalismo del modelo retratado.
El Baco sonrojado es un retrato adecuado de un adolescente medio borracho vestido con una sábana y apoyándose en un colchón en el palacio romano del cardenal, pero resulta menos convincente como dios grecorromano. No es Baco, sino un individuo ordinario disfrazado de Baco, el que mira al espectador, tedioso y despierto.
El descanso en la huida a Egipto. 1596-1597:
La escena no se basa en un incidente en la Biblia misma, sino en un conjunto de cuentos o leyendas que se había criado en la alta Edad Media en torno a la historia bíblica de la Sagrada Familia huyendo a Egipto en busca de refugio al ser advertido de que Herodes el Grande estaba tratando de matar al Niño Jesús.
Caravaggio muestra a María dormida con el niño Jesús, mientras que José tiene un manuscrito de un ángel que está tocando un himno a María con el violín.
El artista utiliza un paisaje colorido, claro y con mucha profundidad, algo muy poco habitual en él. Le da al cuadro un aspecto menos naturalista y real, consiguiendo un ambiente de cuento en comparación a sus demás obras.
A este cuadro, por la pose del muchacho y la vestimentacaida dejando ver el hombro, se le atribuyen interpretaciones relacionadas con la sexualidad del artista.
Podriamos decir que es uno de sus autoretratos.
Muchacho con cesto de frutas. 1593:
El muchacho es sensual y con unos ojos negros vivos y penetrantes.
Este cuadro fue alabado en su tiempo por su viveza
Baco enfermo (autorretrato del artista convaleciente). Hacia 1593-1594: Es uno de los primeros cuadros de Caravaggio.Aquí aparece representado como un joven musculoso y atractivo, pero de piel amarillenta y de labios descoloridos. Esta representación iconográfica de Baco está alejada de las pinturas tradicionales. Destaca la admirable maestría con la que Caravaggio ejecutó la naturaleza muerta. Podría tratarse de un autorretrato de Caravaggio en el hospital, donde estuvo internado a causa de las heridas recibidas por la coz de un caballo.
El grupo de figuras clasicista representa una alegoría a la música se confirma por la presencia de una uva recogida con alas de Cupido, el amor y el vino.
La figura en el lateral derecho se considera un autorretrato de Caravaggio.
La etapa de madurez de Caravaggio :
En la etapa de su madurez es cuando más utiliza el recurso del tenebrismo y el naturalismo.
Para buscar los diferentes planos introduce la luz sólo por uno de los ángulos superiores dejándola caer diagonalmente. Este contraste luminoso se usa también para exagerar los gestos y hacerlos más teatrales, o bien para resaltar la sobriedad del tema o del gesto.
En esta etapa de la vida y obra de Caravaggio predominan los temas religiosos, pero el pintor representa las divinidades humanizadas, tomando modelos de la vida cotidiana.
Santa Catalina de Alejandría. c.1598:
Caravaggio representa a la santa con una rueda, una espada y la falda del martirio en un fondo oscuro.
El cuadro está desprovisto de majestuosidad y sacralidad, pues el personaje protagonista ni está de pie, ni rodeada por ángeles, ni acompañado de otras referencias que acusen grandilocuencia.
Sacamuelas. 1607-1609: Es una escena cotidiana donde Caravaggio utiliza el naturalismo con personajes vulgares, muy lejos de las representaciones divinas religiosas.
Judith cortando la cabeza de Holofernes . c.1599:
Se muestran a Holofernes y Judith, la mujer que lo sedujo en menos de una noche. Judith se muestra de pie, majestuosa e impertérrita, mientas que su criada, quien le proporciona la espada, está nerviosa y al acecho de lo que pueda pasar.
Medusa 1598-99:
Es una tela transportada sobre tabla en forma de tondo.
Recrea la figura de Medusa, bestia mitológica.
El niño que modeló la cara (en lugar de una niña) es más incómodo que aterrador.
Por una vez Caravaggio no pueden lograr un efecto de horror, que iba a encontrar en las leyendas de los mártires un estímulo más poderoso para el lado oscuro de su imaginación que un mito clásico.
Cena de Emaús. 1601:
El tenebrismo se consigue con un foco luminoso limitado a la izquierda de la parte superior.
El naturalismo y dinamismo se obtienen gracias a los movimientos de la mano de Cristo y escorzo de las figuras de los peregrinos y la expresión de sorpresa en el rostro de los peregrinos al conocer la identidad de Cristo.
El peregrino marca la profundidad del cuadro con sus brazos en cruz. Resulta chocante la posición que adopta el otro peregrino, mostrándonos el codo por la ropa raída y es el punto más cercano al público.
Destaca la minuciosidad en el bodegón de la mesa donde el canasto parece que va a caerse.
Cena de Emaús. 1606:
En esta obra observamos gestos y aptitudes similares a los de la versión anterior, aunque apreciamos una evolución hacia la introspección.
Utiliza un claroscuro más difuso que lo envuelve todo y su pincelada es también es más suelta, como si tratara de recoger diferentes calidades del aire.
Así esta versión es más introspectiva y estática.
Amor Victorioso 1602-1603:
Un Cupido desnudo, cargando un arco y unas flechas, mientras pisotea los símbolos de las artes, las ciencias y el gobierno.
El Entierrode de Cristo. c.1602-1604:
Para este cuadro, Caravaggio emplea la línea diagonal para la composición a la vez que fuertes contrastes de luz.
Existe un gran naturalismo en la representación a la vez que dramatismo, especialmente exagerado en la actitud de las Marías, que consigue poniendo casi en blanco sus ojos.El fondo es negro lo que acentúa el dramatismo y valores escultóricos.
Hay cierta vulgaridad hasta en el propio rostro de Cristo, así como en el resto de los personajes, cuyos modelos serían, de nuevo, gente sencilla del pueblo.
El fondo no existe. No le interesa ni el paisaje ni la profundidad.
El punto de vista empleado es muy bajo por lo que el cuadro está realizado para ser visto de abajo a arriba.
La caída de San Pablo. 1600-1601:
Se trata de una pintura muy dramática donde San Pablo aparece en el suelo con los brazos abiertos en forma de "V", lo que genera sensación de movimiento.
Existe una gran contraposición de volúmenes, formada por los distintos tamaños del caballo, San Pablo y la otra figura.Para representar la aparición divina y sobrenatural que fuerza la caída y conversión de San Pablo, Caravaggio emplea el color amarillo para la luz que ilumina la escena.
San Jerónimo. c.1605:
Se trata de un cuadro muy tétrico donde San Jerónimo aparece con manto rojo.
Pertenece a una secuencia de cuadros de San Jeronimo.
Muerte de la Virgen. Hacia 1606.: La luz incide en la Virgen y en algunos personajes (manos y rostro) para resaltarlos.
Estos contrastes de luz nos transmiten sensaciones dramáticas y resaltan los valores escultóricos. Hay una gran expresividad con los gestos de las manos y los rostros.
Tiene gran importancia el color.
Lo que más llama la atención es la vulgaridad de los personajes, tanto la Virgen, como el resto de los personajes (En el caso de la Virgen, Caravaggio tomó como modelo a una mujer ahogada).
Cap comentari:
Publica un comentari a l'entrada